De Wagner à Slav Fawakherji: la culture de « l’annulation » et le droit du public à tenir la responsabilité - L'Oriental — Actualités et regard complet sur l'Orient

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Commentant l'image, le capitaine a annoncé la décision de séparer l'artiste Slav Fawakherji de l'Union, sur la base "du régime 40, paragraphe 58" du système interne du syndicat, qui permet la suppression de tout membre du membre "offense la réputation de la République arabe syrienne ou contredit la morale publique".Informations sur l'article

Auteur, Joy Selim
Rôle, BBC News
Il y a 2 heures

Le syndicat des artistes syriens a récemment assisté à une lutte qui reflète la profondeur des divisions politiques dans le pays. Il y a deux jours, le syndicat a publié une déclaration signée au nom du capitaine Mazen al -Natour, dans lequel il a annoncé l'annulation de son retrait de son poste, quelques heures après la fuite de la décision de licenciement aux médias syriens, et a été signé par le capitaine adjoint, l'artiste Nour Muhanna.

Muhanna a justifié la décision d'isoler en accusant Natour de "l'exclusivité et l'unicité dans la prise de décision, la marginalisation du Conseil central et la violation de la loi régulant le travail du syndicat".

Ces développements surviennent quelques semaines après que le syndicat des artistes syriens a fait la une des journaux, après que le capitaine a obtenu les membres de l'Union avec "Honors" à: la chanteuse syrienne Asala Nasri, le compositeur de musique Malik Jandali, le chanteur patrimonial Ahmed Al -Qasim et le Lebanse Singer Shaker.

Cependant, la décision la plus controversée est survenue il y a environ trois semaines, lorsque le Natour a annoncé le licenciement de l'artiste, Sulaf Fawakherji, de l'Union, basé sur "Régime 40, paragraphe 58" du système interne de l'Union, qui permet la suppression de tout membre des membres "qui offense la réputation du république syrienne ou de contrediction publique".

La décision a déclenché une large vague de controverses, qui ont ramené de vieilles discussions sur la relation entre l'art et la politique, les limites de la liberté d'expression et la "culture d'annulation" qui témoigne d'un intérêt croissant dans le monde ces dernières années.

Dans une interview, Al -Natour a déclaré que la décision de séparer Fawakherji "était venue à la lumière de ses déclarations qui glorifient les acteurs des crimes causés à un moment où les blessures des Syriens sont toujours ouvertes," ajoutant: "Maintenant, après la nouvelle déclaration constitutionnelle qui criminalise celles qui glorifient ou ne refusent pas les causes, en particulier que nous ne faisons pas vivre dans les tragus Allez-y.

Fawakherji a décrit, dans une interview en février dernier, le président syrien évincé Bashar Al -assad comme "Al -Sharif", notant qu'elle voit toujours cette capacité "jusqu'à ce que l'inverse soit montré".

Dans d'autres déclarations à elle au cours du dernier mois du Ramadan, Fawakherji a répété la description d'Assad en tant que "personne respectée", et a déclaré que le régime syrien était comme une "valve de sécurité" pour le pays tout au long de son règne.

Artistes dans le "quai"

Artiste en plastique espagnol Pablo Picasso

La controverse soulevée par la décision de séparer Fawakherji de l'Union ne se limite pas au contexte syrien. Il restaure une discussion mondiale plus large sur l'interface sur la relation complexe entre l'art et les positions de son propriétaire, et l'étendue de la possibilité ou de la légitimité de séparer l'œuvre artistique du comportement de son propriétaire et des positions personnelles.

Tout au long de l'histoire, de nombreux artistes éminents ont pris des positions problématiques et conflictuelles, qu'elles soient politiques ou morales, puis exposées aux appels à boycotter ou à reconsidérer leur héritage, en particulier au cours des dernières décennies.

Peut-être l'exemple le plus célèbre de tous dans ce contexte est le musicien allemand Richard Wagner.

Pendant l'ère nazie, Vagner a été promu compositeur préféré d'Adolf Hitler. Depuis lors, l'image historique de Wagner a été associée à ce titre, et la controverse reste sur l'étendue de l'influence de ses œuvres d'art et de ses écrits, en particulier de son article "Judaïsme en musique", dans la formation de l'idéologie de l'Allemagne nazie.

Il en va de même pour le poète américain Ezra Pound, qui a soutenu le fascisme et les émissions anti-juifs pendant la Seconde Guerre mondiale, ce qui a conduit à son arrestation sur la charge de trahison et son dépôt dans une clinique mentale, mais il est toujours enseigné dans les départements de la littérature, et cela dans des contextes critiques stricts.

À son tour, l'artiste espagnol Pablo Picasso a fait face à des accusations de comportements offensants des femmes et a appelé certains courants féministes à briser l'aura environnant et son travail.

Et plus près, les accusations d'agressions sexuelles ont conduit au renversement du réalisateur polonais Roman Polanski et de l'acteur Kevin Spice des principaux projets artistiques, tandis que l'artiste américain Michael Jackson les œuvres lyriques sont toujours une division entre ceux qui le célèbrent et ceux qui l'appellent à boycotter, en particulier après la présentation de la distribution sexuelle. Sur les enfants.

De plus, les opinions de l'écrivain britannique c. ton. Rolling, qui était considéré comme hostile en transit et en transit, dans la division de la série Harry Potter, est l'un de ses livres, parmi ceux qui voient le discours de haine et ceux qui défendent son droit à l'expression.

Artistes "Annuler": entre la comptabilité et le contrôle

Les partisans de l'abolition des artistes sont principalement basés sur l'idée que la renommée donne à leurs propriétaires une autorité symbolique et un large impact sur l'opinion publique, et donc leurs opinions ou comportements ne peuvent pas être traités comme "personnels" ou "isolés de l'art".

Pour eux, le soutien continu des artistes qui promeuvent des discours violents - que ce soit raciste ou justification des crimes ou hostiles aux femmes ou aux transites - est considéré comme une normalisation avec ce discours, et même une participation indirecte en dommage.

Ils voient également que la consommation des œuvres de ces artistes les soutient financièrement et culturellement, et envoie un message silencieux que la créativité donne à son propriétaire ou à son propriétaire une exemption de la responsabilité. Par conséquent, l'annulation est présentée comme une sorte de solidarité avec les victimes et comme un mouvement communautaire qui impose une sorte de justice symbolique.

D'un autre côté, les défenseurs avertissent la séparation de l'art de l'artiste que la culture de l'annulation peut se transformer en un outil de surveillance et de répression, gouvernant les gens avec des normes éthiques modifiées et rétrécir la marge d'expression.

Ils soulignent que de nombreux artistes qui sont considérés comme symboles aujourd'hui avaient des positions problématiques avec les normes du présent. Cela signifie-t-il qu'ils ont effacé tout leur héritage? De plus, cette tendance voit que la créativité est un acte humain complexe et que la demande des artistes de perfection morale est très difficile.

La théorie de la "mort de l'auteur"

Le penseur français et le scientifique de la sémiotique Roland Bart

Au cours du siècle dernier, avec la croissance du problème de la séparation de l'art de l'artiste, et le problème de si possible, plusieurs théories ont émergé qui cherchait à fournir des solutions à ce qui semblait dans de nombreux cas plus comme un dilemme.

La plus importante de ces théories, la théorie de la "nouvelle critique" et la théorie du penseur français et le scientifique de la sémiotique Roland Bart sur "la mort de l'auteur".

La première théorie a été lancée par le poète américain T. S. Elliot, lorsqu'il a écrit que les lecteurs devraient évaluer le poème entre leurs mains, non pour regarder les effets de la vie de l'auteur, ni à ce que l'auteur aurait pu voulu, mais à la place du poème comme une référence pour elle-même du monde. Mais la théorie de "la mort de l'auteur" reste la plus célèbre dans ce domaine, lorsque Bart a annoncé en 1967 que l'écrivain ne crée pas de texte, mais le lecteur est celui qui le fait.

Bart refuse d'inclure tout jugement critique d'une dimension technique éthique qui parvient à l'auteur de l'œuvre elle-même, car à son avis, la critique ne devrait pas être intéressée par l'auteur mais seulement.

Il croit que l'image de la littérature dans la culture contemporaine est concentrée sous une forme "autoritaire" sur l'auteur, sa personne, son histoire, son goût, sa passion et sa critique dépend encore dans la plupart sur la personne qui l'a produit. "

"Chaque fois que nous nous soucions des structures de l'auteur et de l'état psychologique, nous retournons à l'auteur - Dieu. Nous donnons à l'auteur l'interprétation (comme nous le pensons) et le pouvoir institutionnel (comment il peut traiter avec les gens sans conséquences)." Il ajoute: "Disons que le réalisateur sort en tant que film. Dès que la situation est répertoriée aux fins nécessaires (...) (le réalisateur) devient hors de tout travail, à l'exception de la forte représentation du symbole. Ce chapitre se produit, la voix perd sa source, l'auteur entre sa mort et que l'écriture commence."

L'art n'est pas "innocent"

La critique féministe britannique Laura Mulphi

Contrairement à ces approches qui appellent à la séparation des œuvres d'art de la vie de son créateur, nous trouvons d'autres points de vue que ce chapitre est souvent utilisé pour absoudre l'art de son contenu autoritaire ou même violent.

Cette approche est considérée qu'il n'est pas possible d'évaluer les œuvres d'art isolément du contexte social et politique dans lequel il a été produit, ni des systèmes qu'il reflète ou reproduit, qu'il soit colonial, parental ou raciste.

Par exemple, des critiques féministes telles que British Laura Mulphi, qui ont inventé le concept de «vision masculine» dans l'art, a vu une relation organique entre l'art et l'art.

Dans son célèbre article, "The Visual Pleasure and the Cinema of Narration" (1975), Mulfi a vu que le cinéma classique, en particulier Hollywood, est basé sur la représentation des femmes en tant que corps qui est vu et fabriqué, pas aussi efficace. C'est une "image", tandis que l'homme est le "propriétaire de look" et son acteur. La plupart de ces travaux, sinon tous, sont faits d'hommes.

L'analyse de Moulifi de la structure du cinéma montre que le problème ne se limite pas à la vie personnelle ou aux positions de l'artiste, mais s'étend également au travail lui-même. Autrement dit, l'idéologie masculine ne vient pas seulement du comportement du réalisateur ou de l'écrivain en dehors du film, mais aussi des fuites dans le langage visuel, et comment construire la narration et distribuer des rôles et du pouvoir dans l'histoire. En ce sens, il devient difficile de séparer l'art de l'artiste, non seulement parce que l'artiste peut être un malheur, mais parce que sa vision du monde qui peut être basée sur la discrimination est incarnée dans l'œuvre artistique elle-même.

Cet exemple explique l'essence de la tendance critique, que nous trouvons largement dans la critique féministe et la critique post-coloniale.

Cette tendance estime que nous ne pouvons pas gérer l'art comme un objet indépendant et exact. Parce que, souvent, il produit et reproduit les mêmes structures qui perpétuent la distinction et la violence symbolique.

De là, la demande d'annuler un artiste n'est pas seulement une position éthique ou morale, mais aussi un outil analytique dans un projet plus large pour démanteler les structures autoritaires impliquées dans cet art, qui à leur tour produit et la dédiée.