Ce festival - l'événement parrainé par la Mission de l'Union européenne, a commencé ses premières sessions au milieu des années 90 du siècle dernier, et est toujours ferme face aux défis, malgré les nombreuses pierres d'achoppement qui ont empêché certaines copies au cours des dernières années. Et entre toutes les démonstrations cinématographiques de Beyrouth, ce festival - et toujours - est le public le plus proche et le plus populaire. Que demande le spectateur assoiffé un cinéma différent qui est plus profond que ceux offerts par les salles commerciales, à l'exception de l'opportunité de plonger pendant dix jours consécutifs dans les mondes du cinéma européen, avec les différentes visions et les contes dynamiques?
La session actuelle du Festival européen du film se déroulera entre le 30 avril et le 11 mai, dans le complexe de Metropolis, qui a récemment rouvert ses portes après six ans de fermeture forcée, en raison de l'effondrement économique et des crises politiques qui ont pris d'assaut le pays à partir de la fin de 2019. Ce complexe est né parmi les aérands pendant la guerre de juillet 2006, il a été déménagé pour ses amateurs de cinéma, à Liban pendant treiz Plus particulièrement le "Centre culturel français". Aujourd'hui, après l'inauguration du nouveau siège social dans le quartier de Mar Mikhael al-Beiruti à la fin de l'année dernière, le cinéma que les salles de films commerciaux ne semblaient pas trouver une maison chaleureuse l'embrasse, et le public aimant de l'écran indépendant et le septième art sera béni avec un endroit similaire à leurs goûts.
Du film "Dead Papers" (fichier de film)
Après que le nouveau siège social ait embrassé une série d'activités, y compris une semaine pour le film brésilien, il se prépare ici à recevoir à nouveau le public dans ce festival, qui présentera 21 films européens récemment produits, datant des deux dernières années, avec le "Sinie Konsir", "Green", en plus d'un film classique choisi par le festival à découvrir à partir de The New Generation, "Green" par Spanard Brediard Luna. Le programme comprend l'exposition de 12 courts métrages de la signature cinématographique des jeunes libanais, dans une célébration explicite d'une nouvelle génération de rêveurs dans la caméra. Quant à l'ouverture et à la clôture, le premier est supposé par "Flo" par le réalisateur letton Gentes Zelpaldes, qui a remporté "Oscar" le meilleur film long de long déménagement cette année, tandis que le second sera avec "Abu Salim Rasul al -Gharam" par Youssef Maalouf, qui remonte à 1962 et a été récemment restauré.
"La chambre de district" de Badro Modofar
Trois cinéastes européens seniors seront présentés dans cet événement. Nous commençons par la "salle adjacente" du modofar de l'Espagnol Badou, qui l'a gagné avec le "Golden Lion" lors de la dernière session du Festival de Venise. Dans ce film, le propriétaire de "Everything About My Mother" a décidé de raconter son histoire en anglais, la langue qu'il ne maîtrise pas. Modofar, qui a construit son cinéma à l'intérieur des frontières de l'Espagne, et parmi les personnages qu'il connaît bien, nous emmène ce temps dans un autre espace culturel et social. Mais il ne le fait pas pour un changement formel ou le désir de "mondial", mais plutôt parce que la nouvelle langue lui donne une autre entrée dans ses préoccupations anciennes, dont la mort est la mort. La mort chez Algorovar est une question permanente. Ce n'est pas seulement un événement dramatique, mais une respiration cachée qui s'échappe dans les relations, avec le corps, à désir. Ce film n'est peut-être pas exceptionnel, mais c'est un moment précis dans la marche d'un artiste qui continue de rechercher, même après tout qu'il a réalisé. À la recherche d'une langue, de la vie et du sens de la mort.
Du film "Partinoy" (fichier de film)
Modofar n'a pas besoin de plus de deux femmes pour construire un monde entier. Le premier, Telda Swinton, qui avait déjà testé dans un court métrage. La seconde, Julian Moore, dont la présence semble prouver qu'elle appartient plus à son monde que nous ne le pensions. Les deux se rencontrent à un point simple mais lourd: la décision de mourir. Swinton joue le rôle d'une femme épuisée par le cancer et n'attend plus un miracle. Elle décide de prendre son sort avec sa main. Elle choisit de ne pas mourir au rythme de la douleur, mais plutôt de partir devant la proie de la maladie. C'est simple techniquement - une capsule est suffisante. Mais c'est légalement compliqué, car ce type de départ, même lorsqu'il est motivé par la dignité, n'est toujours pas accueilli en Amérique. Ici, la mission commence: l'arrangement des adieux.
L'idée peut sembler appropriée pour un court métrage. Mais au modofar, il s'étend, des branches, se chante avec des échos du passé, la nostalgie et le désir de pardon. Il n'y a pas de leçons morales, il n'y a pas de sermon sur le droit à la mort, mais des moments humains plutôt purs, capturés dans des couleurs saturées et une musique incohérente. Le film ne se noie pas dans le drame, mais exprime plutôt les bords de ce type qu'Alemovar a toujours maîtrisé, mais cette fois, il semble plus irrigué, comme s'il reconstitue son style.
Affiche du festival (service du festival)
L'Amérique n'est pas sa terre, et c'est clair. Il y a des scènes dans lesquelles vous trahissez la langue, et d'autres dans lesquelles l'empreinte digitale de Dawofaria est réduite en faveur d'une narration plus disciplinée, et peut-être parfois plus plate. Mais bientôt ce sentiment unique qui fait de ses films ce qu'il est: cette vision particulière d'une femme, à sa faiblesse et à sa force, à la façon dont elle aime, perd et essaie de laisser une trace avant qu'elle ne soit absente.
Partinopipe
Étant donné que le festival essaie de saisir les films européens les plus élevés, la boussole se réfère dans la nature du festival de Cannes, où les derniers grands films italiens de Paulo Tritino, "Partinobbe", qui porte dans ses détails la résonance de l'identité italienne profonde qui fait partie de la formation esthétique de Sorontito. Ce que nous voyons ici n'est pas seulement un hommage au patrimoine cinématographique, mais plutôt un passage des effets clairs de Vellaini vers le monde Antoni le plus calme et le plus contemplatif. Et entre cette transition, il y a une sorte de sérénité et d'émancipation, d'autant plus que la mer est présente comme un fond permanent, qui donne au film une eau et un caractère ouvert, malgré son emprisonnement.
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La scène d'ouverture d'une femme donnant naissance dans les eaux de Naples et sous son soleil sauvage, annonce le début de l'histoire de Partinobbe, le nom tiré de la légende, qui accompagnera l'héroïne à toutes ses étapes. Nous continuons son développement de l'enfance aux jeunes, dans un voyage qui prend un caractère plus proche d'un temps ou d'une célébration existentiel. Le film n'est pas satisfait de porter son nom, il le place donc également au cœur de chaque scène, dans plus de deux heures de divulgation visuelle, où la caméra Sorino déplace librement poétique entre le spectateur, dans un dialogue permanent avec la beauté, la beauté italienne en particulier - dans les visages, dans l'architecture, dans la vie quotidienne. L'histoire se déplace entre différentes périodes, des années 1950 à un été moderne lorsque nous voyons la victoire de l'Italie dans un match de football.
Partinobbe, la fille chouchée d'une famille Napoli, dégage de la richesse et du prestige, n'est pas seulement une figure majeure du film. C'est l'entité sur laquelle tout tourne. Une fille traverse des moments comme s'il s'agissait d'un rêve éternel de Napoli, ou plutôt, comme si Napoli elle-même était incarnée dans une femme.
"Feuilles mortes" par Aky Corresmaki
Un troisième réalisateur européen du style élevé sera disponible pour le public pour voir ses derniers films: Finn, Aki Koresmaki et son merveilleux travail "Dead Papers" remportant le "prix du jury" au Festival de Cannes 2023. C'est ce qu'il a toujours été intéressé par ces indicateurs marginalisés, ses caméras sont placées en Finlande. Satisfaction "Infection. La nullité est un homme et une femme avec Satan, qui n'a pas de visages cinématographiques au sens traditionnel, mais le réalisateur, le même qui ramasse ce que beaucoup d'entre nous voit, leur donne la légitimité de la présence et nous fait même les voir. Elle est un supermarché et est mécanique. Les deux sont expulsés de son travail, pour des raisons qui peuvent sembler ridicules: c'est parce qu'elle a mangé des ordures, parce que c'était de l'alcool pendant le travail. Mais le destin les mène à la réunion dans une barre fanée, et là, sans bruit, Correske commence à tisser la relation entre eux, comme s'il rétablissait deux unités d'érosion. À l'arrière-plan de l'Helsinki fané, que le réalisateur dépeint comme une ville qui a perdu sa joie, une petite histoire d'amour marginale est née plus honnête que beaucoup d'histoires qui passent devant nous chaque jour.
Dans les "feuilles mortes", l'ennui se faufile comme une ombre permanente, se croisant avec l'obsession de rechercher le bonheur, ce sentiment qu'il semble absent par sa nature du monde de Corresmaki, mais il est toujours présent. Le film tire de la répétition des journaux intimes un matériau pour construire un monde cohérent, vous obligeant à accepter son réalisme, peu importe la gravité ou le froid. La radio de sa cuisine n'arrête pas de diffuser les nouvelles de la guerre russe, comme si elle nous rappelle tout le temps que la tranquillité ne dure pas, et que la vie - peu importe à quel point - n'échappe pas au chaos et à l'absurdité du monde extérieur.
La Finlande, comme Correske le tire, a l'air une autre planète: sombre, silencieuse et mystérieuse. Il ressemble lentement à ses mouvements, a parlé un peu et a l'air de ne pas se comprendre avant qu'elle ne nous demande de la comprendre. Mais cela fait partie du jeu Correskey, le jeu de mystère magique, qui vous pousse à rechercher le sens dans les petits détails.
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